The Art of Farming; Q & A with Andrew Casner / El arte de la agricultura; una entrevista con Andrew Casner

(Spanish translation to follow/traducción en español abajo)

Last year, ProFarmer Andrew Casner conducted a field experiment growing Black Futsu Squash for seed production and the use of compost tea in organic production. A graduate of the Rhode Island School of Design (RISD) and on a professional artist track before turning to agriculture, Andrew draws inspiration from the landscape and the plants around him, including this singular Japanese squash. His artwork is now featured on one of the Hudson Valley Seed Company’s 2020 art packs.  

Farm Hub Director, Brooke Pickering-Cole, talks with Andrew about painting for the seed pack and, more generally, about the creative process of farming, microbes and the science/art connection, and the fine art of taking the time to stop and observe. 

Andrew Casner’s rendering of the Black Futsu Squash for the Hudson Valley Seed Company seed pack.

BPC: It’s great to see your artwork on a Hudson Valley Seed Company seed pack. Can you talk a bit about the process?  

AC: The artist creates the artwork and the Seed Company designs the pack, choosing the detail of the composition for the center and the quatrefoil shapes that create the flaps. I first submitted samples of my work in the annual call for artists, and yes, one of them was of the squash. I had grown squash for my project last year and had some lying around in the studio – they were inspiring. I don’t always have a lot of time to make paintings during the farming season, so it was nice to have a specific project that kept me from thinking about the farm work that needed to be done and allowed me to see this crop in a different way through drawing. Once I was selected to provide the artwork, I did a few different versions before I settled on the idea for the composition.  

BPC: Tell us about the original painting – how is it distinct from the image on the pack? It’s a watercolor, right? 

AC: It’s watercolor and gouache. I like to paint with the two of them together. Gouache is basically watercolor with a little bit of chalk in it that makes it opaque.  

The blue-green background color was added by their graphic designer. Part of working in watercolor is about working with the white of the paper, so the marks are building up the squash to create the figure/ground relationship where the subject is both on and of the surface of the paper. I think they did a great job with the art pack – the colored background catches your eye and makes the package stand out – after all, they’re trying to sell squash seeds.

BPC: Zoomed in you really get the texture. When you look closely there’s a lot of color on the surface of the squash, and a lot of energy and movement. Is that typical of your style?

AC: That’s kind of the fun part, all those tiny little marks – it’s like a pointillist technique, using colors next to each other – you don’t really notice them from afar. I like to think of the marks as vibrations, little tiny marks dancing together to form the squash – you know, we’re all covered in microbes; bacteria, and fungi and things that are invisible. I try to imagine that the brushstrokes are representing the sheath of microbes that are living on everything – and they have a kind of charge.

BPC: And the insects, the leaves – you’re attending to the whole plant. There’s a story in here…

AC: Not all plants are like this, but squash has two types of flowers – a pollen-bearing one and one with an ovary. Bees need to get the pollen from the pollen-bearing flower and go to the ovary one to pollinate it, and that’s how a new squash is born. This was grown with no pesticides, not even the organic ones, so including the bees and other insects in the drawing is acknowledging that it’s far from a sterile environment. I used compost extracts and teas brewed on the farm to promote microbial diversity on the leaves and in the soil. The trick to farming this way is to maintain a biological environment that supports a particular crop, and Black Futsu makes this easy. It is a tough squash, no amount of squash bugs or cucumber beetles seem to faze it.

The composition shows different maturities of various parts of the plant in a way that might interest a scientist, like a botanical illustration. With flowers in different stages simultaneously, it’s like a time-line you can follow…from a developing bud to the open flower, to a tiny squash all the way up to a cured one ready to be eaten. It was a visual decision but it’s actually how the plant grows – if you pulled up one of the oldest vines and followed it from tip to base you could see much of this progression yourself.   

BPC: I see the drawing going off the page – is that typical or did you do that for the graphic design of the pack- like creating wallpaper?

AC: I like all-over compositions with the images spreading off the page. I also like to throw the viewer off balance – emphasizing the pull of the sun against gravity’s hold on the plant.  

BPC: Speaking of balance, how do you come to terms with the asymmetry that appeals to you in nature vs. the regimentation and uniformity that sometimes come with farming with its rows and grid-lines? Are there every day tensions for you there?  

Dug Hill, 2018, watercolor on paper.

AC: To be honest, it’s hard for me to talk about the relationship between art and farming because from one perspective I really don’t see a difference between the two. They both cultivate life from raw materials, engage you physically and mentally, and both develop a reciprocal relationship between the person and the thing that ‘is becoming’, the artwork or the farm system. There are forces in both pursuits that are not entirely in your control nor entirely of your making and are often the source of inspiration. In living systems, I think these are called emergent properties. 

When I imagine farming, I imagine a farm working in cooperation with the landscape and I think of it as curating balance within a system. Admittedly much agriculture is more heavy-handed – farming that’s forcing land to produce one life form at the expense of all others. There is also ‘art’ that does not fit my definition either. So I guess there is a bit of tension there.

But the type of farming I see us working towards here is no different in my mind than making art. Since I started taking art seriously my subject matter has remained stubbornly consistent; the intersection between landscapes and plants, looking at how organisms shape their environment and how they have been shaped by their environment. A plant’s formal structure tells at least two stories; one is its ancestry, how it evolved in a region or, in the case of a squash, what characteristics humans selected for over generations of breeding. The other story is of an individual life, the life from one seed that reveals something of this particular plant and its context. The act of drawing slows me down, it lets me contemplate these stories.

BPC: So, this is not just about what things look like…

AC: Right, it’s – What does it look like, but also what does that say about where it comes from?  

With farming, you can shape a landscape with minimal interference and it’s way more beautiful than any art object I could make. A regenerative farming system has holistic beauty, but also there are natural phenomena on the farm that are breath-taking. In fact, I’ve had some trouble making paintings since I started farming; I’m just so in awe of, say, a field of rye blowing in the wind it’s like looking at the ocean. You have to ask yourself how can you possibly catch that in a photograph or paint something that’s even worth the time trying to approach it.  

BPC: You talk in the film/portrait about art or drawing being a vehicle for communication – is it about expressing something? 

AC: It’s a very private thing happening in my head, a personal experience, which may mean it is not art at all. I guess making a drawing is a way of communicating that experience with people, but I think I’m trying to say that drawing is also about connecting with other organisms.

For a long while I thought that making art was my calling – there was this thing coming out of me and I wanted to express it. Now I’ve discovered farming as a way of bringing something out of me that used to be brought out by drawing and painting. Part of this ‘thing’ now is food, which is, practically speaking, much more useful. It’s also the era we’re in. Given the climate crisis, I felt that with my artistic subject matter – plants and the relationship with the landscape and how they shape each other – a life in agriculture would have a more positive impact on the world.

The artistic expression comes out of you like a plant growing out of the ground; it’s not something you’re in control of, it’s not even your own really. It’s very hard to talk about it – I don’t necessarily understand it logically, I just feel a certain way about it.

Creek Late Summer, 2016, water and gouache on paper.

BPC: Maybe that’s what passion is. It’s not analytical. And there’s the sensory experience. You talk about this in your video portrait on the Farm Hub website – there’s a scene where you’re breaking open a large chunk of soil. It’s more than visual, it’s also tactile?

AC: Making paintings in the landscape was always an excuse to go for a walk, listen to the birds, be by a creek for a while, and to make a drawing in a 360-degree space. I’ve never been able to make a good drawing from a photograph – To be outside where I can feel the energy of the space, the sounds…There are the

se moments that happen, like a flock of silent crows flying over, you can hear only their wings and it feels – I don’t know – like there’s a message. Something is signaling to you and you feel lucky to have experienced it. I don’t know what the message is, but it’s like a communication with the landscape. That happens all the time when you sit in one place and observe.

BPC: I guess drawing can be an excuse to stop. A reason to look and listen…

AC: There’s another crossover with farming – it’s hard to find moments to stop and spend, say, thirty minutes just looking. But I think the best farmers do that – they find time to walk in the fields maybe in the evening without any purpose just see what it has to say. I really like that about farmers.  

Sunflower, 2013.

BPC: How has your work on soil health affected your work as an artist? It seems that your curiosity about natural science somehow stimulates the creative process.

AC: I wouldn’t make certain drawings if I weren’t studying soil science, farming, fertility, and nutrient cycling. I could probably now do an entire body of work that I couldn’t have done before. People often say that about farming – that it’s a blend of art and science. There is a lot of science, but there’s also a lot of creativity and problem solving to it.

When I started to move away from art-making to farming I made a rule that if I were to make art it would have to have a net benefit to the land in some way. When I was gardening in Brooklyn I started laying canvas on the ground and arranging waste organics on the surface, making a compost pile on top of it. When I turned the pile I would remove the canvas to create a kind of monoprint. I was always interested in wetlands and places that were full of smelly detritus but full of biology and full of life too. I guess the compost print-making process was my way of making an art object out of that – or a way to honor it. But it was a by-product, the real work was making compost for the garden. Now I don’t feel as obliged to wrestle my art practice into a form that benefits the land because I’m trying to do that as a farmer.  

BPC: What are the conditions necessary for you to produce artwork?

AC: I need the inspiration of being near living systems. I also need to be able to set aside time and to turn off everything else. But of course, I have a one-year-old at home now so…

BPC: Has your artwork changed stylistically these past few years since you’ve been on the Hurley Flats?

AC: I’m drawing more. And the way I’m drawing has changed – it’s much more graphic and detailed. I’ve always tried to capture the flow of energy through a landscape, but the marks I use now are more consolidated. I find now I don’t need to have a big canvas to make a painting – I can do something more intimate. 

BPC: Maybe the science is also informing that – the microbes – as in, more details?

AC: Sure, there are a bunch of tiny organic, or logical, systems that are happening and they’re all interacting with each other. From afar it looks like a broad stroke but it’s actually all these little chaotic swirling things that are all entangled with each other. 

BPC: It’s interesting that your work is getting smaller in scale since you’ve been here on this vast open space – the Farm Hub land. A tiny seed, for example, it’s hard to grasp in this context… How do you process the experience of scale here on the farm, everything set against this big open space?  

AC: Maybe it does have something to do with being in the open landscape of farmland. I used to make large paintings of intimate spaces in the woods, now the drawings too are intimate in scale. I think about that looking at seeds too – the consolidation of history and energy in such a small thing against this huge landscape. But then, I think about the Black Futsu squash. We grew a third of an acre from seeds saved from two squash…seeds from just two fruits produced over 4,000 lbs. of squash. When we brought them in to cure on the long table in the greenhouse – it was filled with squash, shoulder-to-shoulder. There is so much potential in a seed.

BPC: Do you have a favorite vegetable, aesthetically that is?

AC: My favorite crop, aesthetically speaking, would probably be bitter melon (Momordica charantia), karalla or bitter gourd. 

There are a lot of varieties but I’m thinking of the long heavily warted ones. When they are over-ripe they turn bright orange and they split open like a peeled banana, releasing slimy red flesh-covered seeds. The green fruit is pleasantly bitter, but this red seed coating is surprisingly sweet. 

But all plants have a structure that’s beautiful and inspires contemplation. That’s part of the reason I took a step away from making ‘art’ for a career working with and contemplating these strange and beautiful organisms that transform sun energy into food for themselves, animals, and all the life in the soil.

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El arte de la agricultura; una entrevista con Andrew Casner

 

El año pasado, Andrew Casner, un agricultor profesional, llevó a cabo un experimento en el que cultivó calabacín de la variedad Futsu para producir semillas y para usarlas en el té de composta para la producción orgánica. Andrew es graduado de Rhode Island School of Design (RISD) y, antes de enfocarse en la agricultura, estaba encaminado a una carrera profesional como artista visual. Andrew se inspira en el paisaje y las plantas que lo rodean, incluyendo este calabacín japonés. Actualmente, su obra se presenta en uno de los paquetes de materiales artísticos del 2020 de Hudson Valley Seed Company.

La directora de Farm Hub, Brooke Pickering-Cole, habló con Andrew sobre el proceso de pintar la imagen para el empaque de semillas, y, más ampliamente, sobre el proceso creativo relacionado con la agricultura, los microbios y la conexión entre la ciencia y el arte, y el arte de tomarse el tiempo de parar y observar. 

La ilustración del calabacín Futsu Negro por Andrew Casner para el empaque de semillas de Hudson Valley Seed Company.

BPC: Es fantástico ver tu arte en un empaque de semillas de Hudson Valley Seed Company. ¿Me puedes contar un poco más acerca del proceso?

AC: El artista crea el arte y la compañía de semillas diseña el empaque, escogen el detalle de la composición para el centro y la figura del cuadrifolio que hace las solapas. Primero, entregué muestras de mi trabajo en una convocatoria anual para artistas y, sí, una de las muestras fue el calabacín. Había cultivado calabacín para mi proyecto el año pasado y tenía unos en mi taller – son muy inspiradores. No siempre tengo mucho tiempo para pintar durante la temporada de cultivo, así que fue lindo tener un proyecto específico que me mantuviera pensando en el trabajo de la agricultura que necesitaba hacer y que me permitiera ver este cultivo de una manera diferente por medio del dibujo. Una vez fui seleccionado para realizar el arte, hice varias versiones antes de decidirme por la composición que escogí. 

BCP: Cuéntanos sobre la pintura original – ¿De qué manera es diferente a la imagen en el empaque? Es una acuarela, ¿verdad?

AC: Es acuarela y aguazo. Me gusta pintar con ambos materiales juntos. El aguazo es básicamente acuarela con un poco de tiza que hace que la pintura sea opaca. El color azul verdoso del fondo lo añadió el diseñador gráfico. Parte de trabajar con la acuarela es trabajar con el blanco del papel, los trazos van dándole forma al calabacín para crear una relación entre la figura y el fondo, en la que el sujeto está sobre la superficie y fuera de la superficie del papel. Creo que hicieron un gran trabajo con el empaque artístico – el color del fondo atrae la vista y hace que el empaque sobresalga – al fin y al cabo, están tratando de vender semillas de calabacín. 

BCP: Cuando uno amplifica la imagen, puede darse cuenta de la textura. Uno mira detalladamente y se da cuenta de que hay mucho color en la superficie del calabacín, y mucha energía y movimiento. ¿Es esto típico de tu estilo?

AC: Esa es la parte divertida, todos esos trazos pequeños – que son como la técnica puntillista que utiliza los colores aledaños – se pueden ver a la distancia. Me gusta pensar que los trazos son como vibraciones, trazos diminutos bailando juntos para formar el calabacín – tú sabes, todos estamos cubiertos por microbios; bacterias y hongos y cosas que son invisibles. Trato de imaginarme que las pinceladas representan la funda de microbios que viven encima de todo – y que tienen un tipo de carga energética. 

BCP: Y los insectos, las hojas – estás atendiendo toda la planta. Hay una historia ahí…

AC: No todas las plantas son así, pero el calabacín tiene dos tipos de flores – una que tiene el polen y una con el ovario. Las abejas necesitan llevar el polen de la flor que tiene el polen a la que tiene el ovario para polinizarla, y así es que nace un nuevo calabacín. Este creció sin pesticidas, ni siquiera orgánicos, así que incluir a las abejas y a otros insectos en el dibujo es reconocer que no es un ambiente estéril. Yo utilicé extractos de composta y tés preparados en el rancho para promover la diversidad de microbios en las hojas y en la tierra. El truco de la agricultura es mantener un ambiente biológico que apoye un cultivo específico, y el Futsu Negro lo hace fácil. Es un calabacín resistente, aparentemente no hay cantidad de insectos de calabacín o de escarabajos de pepino cocombro que logren perturbarlo.

La composición muestra los distintos niveles de madurez de varias partes de la planta de una forma que puede interesar a los científicos, como una ilustración botánica. Las flores están a diferentes etapas simultáneamente, es como una cronología que uno puede seguir… desde el capullo que se empieza a desarrollar hasta la flor abierta, a un calabacín pequeño hasta uno maduro seco listo para comer. Fue una decisión visual, pero también es la realidad de cómo crece la planta – si halas una vid vieja y la sigues desde la punta hasta la base, podrás ver la mayoría de esta progresión.

BPC: Veo que el dibujo se sale de la página – ¿es típico eso?, ¿o lo dibujaste así para el diseño gráfico del empaque? – así como papel de colgadura.

AC: Me gustan las composiciones que toman el espacio por completo y las imágenes se salen del papel. También me gusta desequilibrar un poco al espectador – enfatizar la forma en que el sol hala a la planta a la vez que la gravedad la sostiene en la tierra.

BCP: Hablando de equilibrio, ¿cómo asimilas la asimetría que te atrae en la naturaleza versus la disciplina y uniformidad que a veces viene con la agricultura, con sus filas y cuadrículas? ¿Hay tensiones cotidianas en esta relación para ti?

Dug Hill, 2018, acuarela en papel.

AC: Siendo honesto, es difícil para mí hablar de la relación entre el arte y la agricultura porque de cierta manera no veo en realidad la diferencia entre las dos. Las dos cultivan vida de la materia prima, involucran a uno física y mentalmente, y ambas desarrollan una relación recíproca entre la persona y la cosa que ‘se está convirtiendo’, la obra o el sistema agrícola. Hay fuerzas en ambas ocupaciones que no están enteramente bajo nuestro control, no son de nuestra creación y, muy a menudo, son la fuente de inspiración. En los sistemas vivos, creo que estas cosas se llaman propiedades emergentes.

Cuando pienso en la agricultura, me imagino un rancho trabajando en cooperación con un paisaje y pienso que está haciendo curaduría, buscando equilibrio dentro de un sistema. Ciertamente la mayoría de la agricultura tiene más bien una mano dura – agricultura que obliga a la tierra a producir un tipo de vida a costa de todas las demás. También hay ‘arte’ que no encaja en mi definición tampoco. Entonces sí creo que hay un poco de tensión ahí. 

Pero el tipo de agricultura que yo visualizo como meta de trabajo aquí, es una en la que, en mi manera de pensar, no se diferencia a la creación artística. Desde que empecé a tomar la creación artística seriamente, mi materia de contenido se ha mantenido tercamente consistente; la intersección entre el paisaje y las plantas, estudiando cómo los organismos le dan forma a su ambiente y cómo han sido formados por su ambiente mismo. La estructura formal de una planta cuenta por lo menos dos historias; una es su linaje, cómo evolucionó en una región o en el caso de un calabacín, qué características seleccionaron las personas a lo largo de varias generaciones de cultivo. La otra historia es de una vida individual, la vida desde una semilla que revela algo de esta planta en particular o su contexto. El hecho de dibujar me hace moverme más lento, me permite contemplar estas historias. 

 BCP: Entonces, no tiene que ver sólo con cómo se ven las cosas…

AC: Exacto, es – cómo se ven, pero también ¿qué dice sobre su lugar de origen? Con la agricultura, uno puede darle forma al paisaje con una interferencia mínima y es mucho más hermoso que cualquier objeto artístico que yo pudiera hacer. Un sistema de agricultura regenerativa tiene una belleza integral, pero también hay fenómenos naturales en el rancho que le quitan a uno el aliento. De hecho, se me ha dificultado hacer pinturas desde que empecé a cultivar; simplemente me quedo tan impresionado de, digamos, un campo de centeno meciéndose en el viento, y es como mirar al océano. Uno se tiene que preguntar ¿cómo es posible plasmar eso en una fotografía o pintar algo que si quiera valga el tiempo que uno perdería tratando de asemejarlo?

BPC: Usted habla en el video-retrato sobre el arte o el dibujo como vehículo para la comunicación – ¿tiene que ver con poder expresar algo?

AC: Es algo bastante privado que sucede en mi cabeza, una experiencia personal, lo cual quizás significa que no es arte en realidad. Supongo que hacer un dibujo es una manera de comunicar esa experiencia a la gente, pero creo que lo que estoy intentando decir es que el dibujo también tiene que ver con conectarse con otros organismos. Por mucho tiempo, pensé que hacer arte era mi vocación – había algo que salía de mí y tenía un deseo de expresarlo. Ahora, he descubierto que la agricultura es una manera de sacar algo de mí que antes salía por medio del dibujo y la pintura. Parte de esta ‘cosa’ ahora es la comida, lo cual, hablando prácticamente, es mucho más útil. También tiene que ver con la época en la que estamos. Teniendo en cuenta la crisis climática, sentí que dada mi materia de estudio – las plantas y su relación con el paisaje y cómo se dan forma mutuamente – enfocar mi vida en la agricultura tendría un impacto más positivo en el mundo.

La expresión artística sale de uno como una planta que emerge de la tierra; no es algo que uno controle, no es ni siquiera algo que le pertenece a uno en realidad. Es muy difícil hablar al respecto – no lo entiendo muy bien lógicamente, es algo que simplemente me hace sentir de alguna manera.  

El riachuelo al final del verano, 2016, agua y aguaza en papel.

BPC: Quizás eso es la pasión. No es algo analítico. Y también está la experiencia sensorial. Hablas de esto en tu video-retrato en el sitio web del Farm Hub – hay una escena en la que estás quebrando un bloque de tierra. Es más que visual, ¿también es táctil? 

AC: Realizar pinturas en el paisaje siempre fue una excusa para tomar una caminata, escuchar a los pájaros, estar junto al riachuelo un rato y hacer un dibujo en un espacio de 360 grados. Nunca he logrado hacer un buen dibujo basado en una fotografía – sino afuera, donde puedo sentir la energía del espacio, los sonidos… Hay estos momentos que suceden como una bandada de cuervos silenciosamente volando, uno sólo puede escuchar sus alas y se siente – no sé – como si hubiera un mensaje. Algo está enviándo una señal y uno se siente afortunado de haberlo vivido. No sé qué mensaje es, pero es como una comunicación con el paisaje. Esto sucede todo el tiempo, cuando uno se sienta en un lugar y lo observa.

BPC: Supongo que un dibujo puede ser una excusa para detenerse. Una razón para mirar y escuchar…

AC: Este es otro punto de encuentro con la agricultura – es difícil encontrar momentos para detenerse y pasar, digamos, treinta minutos simplemente observando. Pero creo que los mejores agricultores lo hacen – encuentran el tiempo para caminar en los campos quizás en la tarde sin ningún propósito, sólo para ver qué tiene que decir el campo. Eso me gusta mucho de los agricultores. 

Girasol, 2013.

BPC: ¿Cómo el trabajo que haces relacionado a la salud de la tierra ha afectado tu trabajo como artista? Parece que tu curiosidad sobre la ciencia natural estimula tu proceso creativo de alguna manera.

AC: Yo no haría ciertos dibujos si no estuviera estudiando la paidología, la agricultura, la fertilidad y el ciclo de los nutrientes. Probablemente, ahora podría hacer toda una obra que anteriormente no habría podido hacer. La gente dice eso muy a menudo sobre la agricultura – que es una mezcla del arte y la ciencia. Tiene mucha ciencia, pero también mucha creatividad y resolución de problemas. Cuando empecé a alejarme de la creación artística y encaminarme más a la agricultura, me puse una regla, que, si fuera a hacer arte, debería tener un beneficio neto para la tierra de alguna manera. Cuando estaba jardineando en Brooklyn empecé a poner lienzo en la tierra y hacer arreglos de desechos orgánicos en la superficie, haciendo una pila de composta encima. Cuando mezclaba la pila, quitaba el lienzo para crear un tipo de monotipo. Siempre tuve interés en los humedales y en los lugares que estaban llenos de residuos olorosos, pero también llenos de biología y llenos de vida. Supongo que el proceso de hacer monotipos con composta era mi forma de hacer de eso un objeto artístico – o de buscar la forma de honrarlo. Pero era un derivado, la obra real era hacer la composta para el jardín. Ahora no me siento obligado a batallar con mi práctica artística para que exista de forma que beneficie a la tierra porque estoy tratando de hacer eso como agricultor.

BPC: ¿Qué condiciones necesitas para producir obras artísticas?

AC: Necesito la inspiración de estar cerca de sistemas vivos. También necesito poder apartar tiempo y apagar todo lo demás. Pero claro, tengo un bebe de un año en casa ahora, así que…

BPC: ¿Ha cambiado el estilo de tu obra estos últimos años desde que estás en Hurley Flats?

AC: Dibujo más. Y la manera en la que dibujo ha cambiado – es mucho más gráfica y detallada. Siempre he intentado capturar el flujo de energía en el paisaje, pero los trazos que utilizo ahora son mucho más consolidados. Encuentro que ahora no necesito tener un gran lienzo para hacer una pintura – puedo hacer algo más íntimo. 

BPC: Quizás la ciencia también está afectando eso – los microbios – es decir, ¿más detalles?

AC: Seguro, hay una cantidad de sistemas orgánicos diminutos, o lógicos, que están sucediendo y están todos interactuando los unos con los otros. De lejos, parece como un gran trazo, pero en realidad son todas estas cositas pequeñas caóticas como remolinos que se enredan entre sí.

BPC: Es interesante que tu obra se ha hecho más pequeña, a pesar de que estás aquí en este espacio vastamente abierto – el terreno del Farm Hub. Una pequeña semilla, por ejemplo, es tan difícil de entender en este contexto… ¿Cómo procesa la experiencia de escala aquí en el rancho, donde todo está situado en relación con este gran espacio abierto de fondo?

AC: Quizás sí tenga que ver algo con estar en este paisaje abierto del terreno de cultivo. Antes, hacía pinturas grandes de espacios íntimos en los bosques, ahora los dibujos siguen siendo íntimos, pero en escala. Creo que enfocarse en las semillas – la consolidación de la historia y energía en una cosa tan pequeña cuando se contrasta con este paisaje tan enorme. Pero luego, pienso acerca del calabacín Futsu Negro. Cultivamos un tercio de acre con semillas que guardamos de dos calabacines… las semillas de sólo dos frutos produjeron más de 4.000 libras de calabacín. Cuando las trajimos para secarlas en la mesa grande del invernadero – estaba llena de calabacines, apretujados los unos con los otros. Hay tanto potencial en una semilla.

BPC: ¿Tienes un vegetal favorito? Estéticamente hablando…

AC: Mi cultivo favorito, estéticamente hablando, probablemente es el melón amargo (Momórdiga Charantia), karalla, o calabacín amargo. Hay tantas variedades, pero estoy pensando en las largas con muchas verrugas. Cuando se maduran, más de la cuenta se tornan un naranja brillante y se quiebran como un plátano pelado, soltando unas semillas babosas cubiertas de un tipo de pulpa roja. La fruta verde es sabrosamente amarga, pero esta cobertura roja de las semillas es sorprendentemente dulce. 

Pero todas las plantas tienen estructuras que son hermosas y que inspiran contemplación. Esa es parte de la razón por la que me alejé de la creación ‘artística’ para enfocarme en una carrera trabajando con y contemplando estos extraños y hermosos organismos que transforman la energía solar en comida para ellos, para los animales y para toda la vida en la tierra. 

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